1970 — 1991
без границ
МУЗЫКАНТЫ
Вслед за Виктором Третьяковым, Владимиром Спиваковым, Олегом Каганом, Гидоном Кремером на большую сцену выходит новое поколение солистов, среди которых еще совсем юные Евгений Кисин, Вадим Репин и Максим Венгеров.
В годы «холодной войны» важнейшую роль в разрядке международной напряженности играли музыканты. В Московской филармонии проходят Дни английской, французской, итальянской музыки, а ярчайшими событиями филармонической жизни 1970-х становятся выступления Лондонского симфонического оркестра и Бенджамина Бриттена, Лондонского филармонического оркестра и Бернарда Хайтинка, Венского филармонического оркестра и Карла Бёма, Оркестра де Пари и Даниэля Баренбойма, солистов Питера Пирса, Джона Лилла, Маурицио Поллини, Вэна Клайберна. В 1973-м в Москве гастролирует Симфонический оркестр Сан-Франциско под управлением Сейдзи Озавы, в 1977-м в ансамбле со Святославом Рихтером дебютирует Дитрих Фишер-Дискау, а одним из самых запоминающихся концертов 1978 года стал авторский вечер польского композитора Витольда Лютославского.
В 1976 году оркестр филармонии возглавил Дмитрий Китаенко. Под его управлением в репертуаре коллектива зазвучало еще больше музыки ХХ века, в том числе премьеры сочинений Хренникова, Денисова, Шнитке, Буцко, Тищенко. В конце 1970-х на московской сцене появляются новые имена и коллективы: Михаил Плетнёв, Юрий Башмет, «Виртуозы Москвы» под руководством Владимира Спивакова. В начале следующего десятилетия в составе филармонии появляются новые коллективы: ансамбль «Концертино» под руководством Андрея Корсакова (1981) и «Академия старинной музыки» под руководством Татьяны Гринденко (1982).
Знаковые события 1980-х — авторские вечера Кшиштофа Пендерецкого, легендарный концерт Владимира Горовица в Большом зале консерватории, сольные фортепианные выступления Даниэля Баренбойма, первый приезд ансамбля Les Arts Florissants под руководством Уильяма Кристи. Постоянно расширяется репертуар филармонических программ: все чаще звучит музыка барокко — Вивальди, Перголези, Гендель; Геннадий Рождественский проводит цикл симфоний Брукнера; серия концертов посвящается музыке Мессиана; в камерных и симфонических программах звучат новые произведения Свиридова, Шнитке, Щедрина и многих других отечественных композиторов. На филармоническую сцену выходит новое поколение солистов, среди которых еще совсем юные Евгений Кисин, Вадим Репин и Максим Венгеров.
Рубежные для отечественной истории 1990−1991 годы были отмечены рядом знаковых гастролей. В Москве выступили Нью-Йоркский филармонический оркестр под управлением Зубина Меты, хор и оркестр миланского театра Ла Скала во главе с Риккардо Мути, оркестр лейпцигского Гевандхауса и Курт Мазур, Симфонический оркестр Западногерманского радио и Гари Бертини, Чикагский симфонический оркестр и Георг Шолти.
В годы «холодной войны» важнейшую роль в разрядке международной напряженности играли музыканты. В Московской филармонии проходят Дни английской, французской, итальянской музыки, а ярчайшими событиями филармонической жизни 1970-х становятся выступления Лондонского симфонического оркестра и Бенджамина Бриттена, Лондонского филармонического оркестра и Бернарда Хайтинка, Венского филармонического оркестра и Карла Бёма, Оркестра де Пари и Даниэля Баренбойма, солистов Питера Пирса, Джона Лилла, Маурицио Поллини, Вэна Клайберна. В 1973-м в Москве гастролирует Симфонический оркестр Сан-Франциско под управлением Сейдзи Озавы, в 1977-м в ансамбле со Святославом Рихтером дебютирует Дитрих Фишер-Дискау, а одним из самых запоминающихся концертов 1978 года стал авторский вечер польского композитора Витольда Лютославского.
В 1976 году оркестр филармонии возглавил Дмитрий Китаенко. Под его управлением в репертуаре коллектива зазвучало еще больше музыки ХХ века, в том числе премьеры сочинений Хренникова, Денисова, Шнитке, Буцко, Тищенко. В конце 1970-х на московской сцене появляются новые имена и коллективы: Михаил Плетнёв, Юрий Башмет, «Виртуозы Москвы» под руководством Владимира Спивакова. В начале следующего десятилетия в составе филармонии появляются новые коллективы: ансамбль «Концертино» под руководством Андрея Корсакова (1981) и «Академия старинной музыки» под руководством Татьяны Гринденко (1982).
Знаковые события 1980-х — авторские вечера Кшиштофа Пендерецкого, легендарный концерт Владимира Горовица в Большом зале консерватории, сольные фортепианные выступления Даниэля Баренбойма, первый приезд ансамбля Les Arts Florissants под руководством Уильяма Кристи. Постоянно расширяется репертуар филармонических программ: все чаще звучит музыка барокко — Вивальди, Перголези, Гендель; Геннадий Рождественский проводит цикл симфоний Брукнера; серия концертов посвящается музыке Мессиана; в камерных и симфонических программах звучат новые произведения Свиридова, Шнитке, Щедрина и многих других отечественных композиторов. На филармоническую сцену выходит новое поколение солистов, среди которых еще совсем юные Евгений Кисин, Вадим Репин и Максим Венгеров.
Рубежные для отечественной истории 1990−1991 годы были отмечены рядом знаковых гастролей. В Москве выступили Нью-Йоркский филармонический оркестр под управлением Зубина Меты, хор и оркестр миланского театра Ла Скала во главе с Риккардо Мути, оркестр лейпцигского Гевандхауса и Курт Мазур, Симфонический оркестр Западногерманского радио и Гари Бертини, Чикагский симфонический оркестр и Георг Шолти.
Музыканты играли важнейшую роль в разрядке международной напряженности в годы «холодной войны». В Москве выступали Бенджамин Бриттен и Маурицио Поллини, Дитрих Фишер-Дискау, Даниэль Баренбойм и многие другие.
Торжественное открытие
Ректор Московской консерватории Александр Свешников писал в статье, приуроченной к юбилейной дате: «Филармония проделала за прошедшие полвека огромную работу. Нынешние слушатели даже представить себе не могут, насколько возрос за пятьдесят лет интерес к серьезной музыке. Ведь еще в тридцатые годы в залы ходили в основном одни и те же люди. Но филармония с первых шагов считала своей основной задачей приобщать к музыке широкие массы и вела в этом плане планомерную и настойчивую пропаганду. <…> Филармония организовала исполнения множества произведений. Прежде всего, постоянно звучит мировая музыкальная классика. Трудно назвать композитора — русского или зарубежного, — чьи произведения не исполняли бы за минувшие полвека. Московская филармония энтузиаст советской музыки, здесь постоянно готовятся премьеры. Без участия филармонии просто невозможно представить себе ни одно крупное музыкальное событие — ни пленум, ни съезд Союза композиторов СССР, ни фестиваль, ни тематические циклы». (Московской филармонии — 50! // Советская музыка, 1972, № 8).
В первые месяцы 1972 года Московская филармония отмечала свое 50-летие. Этому событию была посвящена серия концертов, в которых приняли участие выдающиеся исполнители: Святослав Рихтер и Давид Ойстрах, Валерий Климов и Леонид Блок, Квартет имени Бородина, Зара Долуханова, Леонид Коган, Геннадий Рождественский.
Главные торжества состоялись 30 марта в Большом зале консерватории. Первая часть вечера была посвящена официальным поздравлениям и выступлениям. На сцене был выстроен президиум, где расположились более 50 человек: представители Министерства культуры, руководством и артисты филармонии, крупнейшие музыканты страны. Среди тех, кто поздравлял Филармонию с трибуны, были композиторы Дмитрий Шостакович, Тихон Хренников, Родион Щедрин. В приветственной речью выступила министр культуры СССР Екатерина Фурцева. В торжественной обстановке директору Константину Ознобищеву было вручено красное знамя.
Торжественный концерт открыл Госоркестр Союза ССР под управлением своего главного дирижера Евгения Светланова. В исполнении этого коллектива прозвучали «Праздничная увертюра» Шостаковича и увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта» Чайковского. Затем на сцену вышел Симфонический оркестр Московской государственной филармонии во главе с Кириллом Кондрашиным. Им выпала честь в этот вечер играть крупные симфонические произведения — «Классическую симфонию» Прокофьева и Тройной концерт Бетховена. В сольных партиях блистали три титана, три выдающихся музыканта современности Святослав Рихтер, Давид Ойстрах и Мстислав Ростропович. Видеозапись концерта Бетховена, сделанная на юбилейном концерте филармонии, неоднократно транслировалась, позднее были издана и сегодня входит в золотой фонд отечественного исполнительского искусства.
Главные торжества состоялись 30 марта в Большом зале консерватории. Первая часть вечера была посвящена официальным поздравлениям и выступлениям. На сцене был выстроен президиум, где расположились более 50 человек: представители Министерства культуры, руководством и артисты филармонии, крупнейшие музыканты страны. Среди тех, кто поздравлял Филармонию с трибуны, были композиторы Дмитрий Шостакович, Тихон Хренников, Родион Щедрин. В приветственной речью выступила министр культуры СССР Екатерина Фурцева. В торжественной обстановке директору Константину Ознобищеву было вручено красное знамя.
Торжественный концерт открыл Госоркестр Союза ССР под управлением своего главного дирижера Евгения Светланова. В исполнении этого коллектива прозвучали «Праздничная увертюра» Шостаковича и увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта» Чайковского. Затем на сцену вышел Симфонический оркестр Московской государственной филармонии во главе с Кириллом Кондрашиным. Им выпала честь в этот вечер играть крупные симфонические произведения — «Классическую симфонию» Прокофьева и Тройной концерт Бетховена. В сольных партиях блистали три титана, три выдающихся музыканта современности Святослав Рихтер, Давид Ойстрах и Мстислав Ростропович. Видеозапись концерта Бетховена, сделанная на юбилейном концерте филармонии, неоднократно транслировалась, позднее были издана и сегодня входит в золотой фонд отечественного исполнительского искусства.
1971—1972
Торжественное открытие
50-летие Московской филармонии
1976—1977
Дмитрий Китаенко за пультом Симфонического оркестра Московской филармонии
В 1976 году место главного дирижера оркестра занял Дмитрий Китаенко. Выпускник Ленинградской консерватории (класс Эдуарда Грикурова) и аспирантуры Московской консерватории (класс Лео Гинзбурга), он стажировался в Вене и занимался под руководством Герберта фон Караяна.
Объединив таким образов опыт двух крупнейших русских школ с европейскими традициями, он стал одним из ярчайших дирижеров своего поколения. Профессиональную карьеру он начинал как оперный дирижер, в 1970—1976 годах возглавлял Музыкальный театр имени Станиславского и Немировича-Данченко.
А в 1976 году Китаенко сменил Кирилла Кондрашина на посту главного дирижера Симфонического оркестра Московской филармонии, которым руководил до 1990. Под его управлением в репертуаре коллектива зазвучало еще больше музыки ХХ века, в том числе премьеры сочинений Хренникова, Денисова, Шнитке, Буцко, Тищенко. Впервые в СССР были исполнены «Турангалила» Мессиана, кантата «Звездоликий» и «Заупокойные песнопения» Стравинского.
«Это была довольно интенсивная работа: мы не только играли абонементные концерты в Москве, но и много гастролировали по миру, записывались на телевидении и выпустили немало дисков. <…> Русскую музыку оркестр Московской филармонии играл, в основном, на гастролях. А московская публика любила слушать сочинения Гайдна, Моцарта, Бетховена… Я дирижировал всеми симфоническими произведениями Рихарда Штрауса и провел российскую премьеру Восьмой симфонии Малера. Мы чаще записывали музыку немецких, французских и итальянских композиторов…», — вспоминал Дмитрий Китаенко (из интервью дирижера для сайта премии ICMA, 2015)
В 1976 году место главного дирижера оркестра занял Дмитрий Китаенко. Выпускник Ленинградской консерватории (класс Эдуарда Грикурова) и аспирантуры Московской консерватории (класс Лео Гинзбурга), он стажировался в Вене и занимался под руководством Герберта фон Караяна.
Объединив таким образов опыт двух крупнейших русских школ с европейскими традициями, он стал одним из ярчайших дирижеров своего поколения. Профессиональную карьеру он начинал как оперный дирижер, в 1970—1976 годах возглавлял Музыкальный театр имени Станиславского и Немировича-Данченко.
А в 1976 году Китаенко сменил Кирилла Кондрашина на посту главного дирижера Симфонического оркестра Московской филармонии, которым руководил до 1990. Под его управлением в репертуаре коллектива зазвучало еще больше музыки ХХ века, в том числе премьеры сочинений Хренникова, Денисова, Шнитке, Буцко, Тищенко. Впервые в СССР были исполнены «Турангалила» Мессиана, кантата «Звездоликий» и «Заупокойные песнопения» Стравинского.
«Это была довольно интенсивная работа: мы не только играли абонементные концерты в Москве, но и много гастролировали по миру, записывались на телевидении и выпустили немало дисков. <…> Русскую музыку оркестр Московской филармонии играл, в основном, на гастролях. А московская публика любила слушать сочинения Гайдна, Моцарта, Бетховена… Я дирижировал всеми симфоническими произведениями Рихарда Штрауса и провел российскую премьеру Восьмой симфонии Малера. Мы чаще записывали музыку немецких, французских и итальянских композиторов…», — вспоминал Дмитрий Китаенко (из интервью дирижера для сайта премии ICMA, 2015)
1976—1977
Титульная страница программки концерта Дитриха Фишера-Дискау и Святослава Рихтера. Зал Чайковского, 3 октября 1977
3 и 5 октября 1977 года в Зале Чайковского звучала вокальная музыка Франца Шуберта и Гуго Вольфа — свои новые совместные программы представили баритон Дитрих Фишер-Дискау и Святослав Рихтер.
Они познакомились в начале 1960-х, их дружба, возникшая благодаря пересечению гастрольных маршрутов, укрепилась в долгих беседах об искусстве. Творческое сотрудничество выдающихся музыкантов началось с программы, подготовленной в 1965 году для фестиваля Бенджамина Бриттена в Олдборо, и продолжалось 17 лет.
Идея шубертовской программы родилась сама собой: в 1972 году Фишер-Дискау завершил свой грандиозный проект, записав на пластинку все песни Шуберта; в репертуаре Рихтера музыка Шуберта заняла в 1970-е годы особое место. Музыканты впервые вместе исполнили песни Шуберта в июле 1977 года в Туре и были так вдохновлены результатом, что приняли решение представить эту программу осенью в Советском Союзе и Германии. Гастрольный тур украсила созданная ранее программа из песен Гуго Вольфа на стихи Гёте.
Совместные концерты Дитриха Фишера-Дискау и Святослава Рихтера предсказуемо стали крупным музыкальным событием и потрясли необычайным ансамблем двух больших мастеров.
«…возникало и крепло ощущение, что поет и играет один человек <…>; высшее достижение ансамбля — слияние замыслов и их звуковой реализации — стало восприниматься как вполне естественное, само собой разумеющееся», — писал Сергей Яковенко в «Советской музые» (1978 № 3). Исполнение песен Вольфа, по его словам, была пронизана «недюжинными, глобальными страстями <…> когда голос становится громоподобным, объемным, скульптурным, а рояль уподобляется оркестру».
Нина Дорлиак писала о «неотступном, мучительно сладостном вдохновении», охватывающем слушателя, который вдруг осознает свою тайную сопричастность происходящему художественному «событию» исключительного масштаба.
3 и 5 октября 1977 года в Зале Чайковского звучала вокальная музыка Франца Шуберта и Гуго Вольфа — свои новые совместные программы представили баритон Дитрих Фишер-Дискау и Святослав Рихтер.
Они познакомились в начале 1960-х, их дружба, возникшая благодаря пересечению гастрольных маршрутов, укрепилась в долгих беседах об искусстве. Творческое сотрудничество выдающихся музыкантов началось с программы, подготовленной в 1965 году для фестиваля Бенджамина Бриттена в Олдборо, и продолжалось 17 лет.
Идея шубертовской программы родилась сама собой: в 1972 году Фишер-Дискау завершил свой грандиозный проект, записав на пластинку все песни Шуберта; в репертуаре Рихтера музыка Шуберта заняла в 1970-е годы особое место. Музыканты впервые вместе исполнили песни Шуберта в июле 1977 года в Туре и были так вдохновлены результатом, что приняли решение представить эту программу осенью в Советском Союзе и Германии. Гастрольный тур украсила созданная ранее программа из песен Гуго Вольфа на стихи Гёте.
Совместные концерты Дитриха Фишера-Дискау и Святослава Рихтера предсказуемо стали крупным музыкальным событием и потрясли необычайным ансамблем двух больших мастеров.
«…возникало и крепло ощущение, что поет и играет один человек <…>; высшее достижение ансамбля — слияние замыслов и их звуковой реализации — стало восприниматься как вполне естественное, само собой разумеющееся», — писал Сергей Яковенко в «Советской музые» (1978 № 3). Исполнение песен Вольфа, по его словам, была пронизана «недюжинными, глобальными страстями <…> когда голос становится громоподобным, объемным, скульптурным, а рояль уподобляется оркестру».
Нина Дорлиак писала о «неотступном, мучительно сладостном вдохновении», охватывающем слушателя, который вдруг осознает свою тайную сопричастность происходящему художественному «событию» исключительного масштаба.
В 1978 году золотую медаль VI Международном конкурсе Чайковского выиграл Михаил Плетнев. Эта победа открыла 21-летнему пианисту, тогда еще студенту Московской консерватории, путь на большую сцену и признание на родине и за рубежом.
Уже на первом туре стало понятно, что слушатели стали свидетелями рождения выдающегося таланта. На выступления Плетнева во втором и третьем туре было невозможно попасть, переполненный зал не мог вместить всех желающих: искусство молодого пианиста вызвало и восторг, и острые дискуссии, но никого не оставило равнодушным.
«Михаил Плетнев — музыкант поразительного масштаба и дарования, совершенный по всем параметрам техники. Как сказать, что больше всего поражает в Плетневе — дерзость, серьезность, своеобразный аскетизм? Отсутствие позы, банальной самоподачи? Все это и еще другое, свое, личное, глубоко интимное (почти спрятанное он любопытных глаз) отношение к первоосновам музыки, к ее великим источникам и незыблемым ценностям». (Т. Грум-Гржимайло. Конкурс им. П. И. Чайковского. История. Лица. События.)
Через год после победы своего ученика Лев Власенко писал: «Прошлогодние конкурсные баталии, яркие и бескомпромиссные, еще раз подтвердили, что самое ценное и важное — это личность, индивидуальность исполнителя. И среди бесспорно одаренных личностей особое место принадлежит Михаилу Плетневу. Прошел только год со дня его победы, а сколько за это время произошло в судьбе артиста! <…> Передо мною вырезки из американских и английских газет. Цитирую: «Запомните это имя — вы услышите о Плетневе и в 21 веке», «если гений — это тот, кто выходит за пределы человеческих возможностей, то Плетнев без сомнения гений». (Л. Власенко. Статьи, материалы, интервью).
В июне 1982 года Михаил Плетнев стал солистом Московской филармонии.
Уже на первом туре стало понятно, что слушатели стали свидетелями рождения выдающегося таланта. На выступления Плетнева во втором и третьем туре было невозможно попасть, переполненный зал не мог вместить всех желающих: искусство молодого пианиста вызвало и восторг, и острые дискуссии, но никого не оставило равнодушным.
«Михаил Плетнев — музыкант поразительного масштаба и дарования, совершенный по всем параметрам техники. Как сказать, что больше всего поражает в Плетневе — дерзость, серьезность, своеобразный аскетизм? Отсутствие позы, банальной самоподачи? Все это и еще другое, свое, личное, глубоко интимное (почти спрятанное он любопытных глаз) отношение к первоосновам музыки, к ее великим источникам и незыблемым ценностям». (Т. Грум-Гржимайло. Конкурс им. П. И. Чайковского. История. Лица. События.)
Через год после победы своего ученика Лев Власенко писал: «Прошлогодние конкурсные баталии, яркие и бескомпромиссные, еще раз подтвердили, что самое ценное и важное — это личность, индивидуальность исполнителя. И среди бесспорно одаренных личностей особое место принадлежит Михаилу Плетневу. Прошел только год со дня его победы, а сколько за это время произошло в судьбе артиста! <…> Передо мною вырезки из американских и английских газет. Цитирую: «Запомните это имя — вы услышите о Плетневе и в 21 веке», «если гений — это тот, кто выходит за пределы человеческих возможностей, то Плетнев без сомнения гений». (Л. Власенко. Статьи, материалы, интервью).
В июне 1982 года Михаил Плетнев стал солистом Московской филармонии.
Михаил Плетнев — победитель VI международного конкурса имени П. И. Чайковского
1977—1978
В конце 1970-х в Зале Чайковского начал выступать Андрей Вознесенский. Стихи знаменитого поэта-шестидесятника отличались искренностью и острой злободевностью, чем привлекали огромную аудиторию. В дни выступлений Вознесенского на площади Маяковского нередко появлялась конная милиция, сдерживающая наплыв желающих попасть на концерт. Люди по многу часов стояли в кассе, в надежде ухватить билет «из брони», пытались найти хоть какой-нибудь способ проникнуть в здание.
Вознесенский всегда с общался с «залом в тысячу душ визави» один на один: два часа он читал у микрофона свои стихи, время от времени перекидываясь небольшими репликами с публикой. Иногда в начале вечера звучала музыкальная «увертюра», не раз Вознесенский поручал ее органисту Гарри Гродбергу.
С 2003 года Андрей Вознесенский отмечал в Зале Чайковского свой день рождения. В первом отделении читал свои новые стихи, во втором — старые.
Вознесенский очень любил Зал Чайковского и посвятил ему одноименное стихотворение.
Вознесенский всегда с общался с «залом в тысячу душ визави» один на один: два часа он читал у микрофона свои стихи, время от времени перекидываясь небольшими репликами с публикой. Иногда в начале вечера звучала музыкальная «увертюра», не раз Вознесенский поручал ее органисту Гарри Гродбергу.
С 2003 года Андрей Вознесенский отмечал в Зале Чайковского свой день рождения. В первом отделении читал свои новые стихи, во втором — старые.
Вознесенский очень любил Зал Чайковского и посвятил ему одноименное стихотворение.
Андрей Вознесенский — «Зал Чайковского»
1978—1979
Камерный оркестр «Виртуозы Москвы»
В 1979 году Владимир Спиваков объединил лучших музыкантов столицы в камерный оркестр «Виртуозы Москвы». Места концертмейстеров групп в нем заняли артисты прославленного Квартета имени Бородина, задав высочайшую планку новому коллективу.
30 декабря «Виртуозы Москвы» выступили в Большом зале консерватории на фестивале Московской филармонии «Русская зима». Публика была заинтриговала сообщениями о зарубежных триумфах молодого коллектива и спешила лично познакомиться с новым оркестром и Спиваковым-дирижером.
«Концерт имел ошеломляющий успех, хотя и раздавались возгласы неудовольствия, что Спиваков сравнительно мало играл solo. Безупречная интонация, очарование инструментального bel canto, „бриллиантные“ пассажи — словом, все, что привлекает публику в игре Спивакова-скрипача, было продемонстрировано в этот вечер как бы в многократном увеличении, причем в сочетании с тончайшим и изящнейшим ансамблем, почти невероятным для „сборного“ коллектива, существующего так недолго». (В. Лихт, В. Тонха. Музыкальная академия, 1980, № 5)
30 декабря «Виртуозы Москвы» выступили в Большом зале консерватории на фестивале Московской филармонии «Русская зима». Публика была заинтриговала сообщениями о зарубежных триумфах молодого коллектива и спешила лично познакомиться с новым оркестром и Спиваковым-дирижером.
«Концерт имел ошеломляющий успех, хотя и раздавались возгласы неудовольствия, что Спиваков сравнительно мало играл solo. Безупречная интонация, очарование инструментального bel canto, „бриллиантные“ пассажи — словом, все, что привлекает публику в игре Спивакова-скрипача, было продемонстрировано в этот вечер как бы в многократном увеличении, причем в сочетании с тончайшим и изящнейшим ансамблем, почти невероятным для „сборного“ коллектива, существующего так недолго». (В. Лихт, В. Тонха. Музыкальная академия, 1980, № 5)
Камерный оркестр «Виртуозы Москвы»
1931 г.
18 октября 1980 года в Большом зале консерватории состоялся авторский вечера польского композитора Кшиштофа Пендерецкого. Автор лично стоял за пультом Симфонического оркестра Московской филармонии.
Каждый приезд Пендерецкого в СССР был большим событием, ведь вместе с ним в страну легально проникала музыка европейского авангарда, ярким представителем которого он был до конца 1970-х. Для музыкантов филармонического оркестра это был серьезный (и во многом непростой) опыт встречи с современными техниками композиции.
Новый приезд польского композитора позволил советским музыкантам (и слушателям) наблюдать процесс коренной смены музыкального языка этого мастера.
Концерт открылся пьесой «Anaklasis» для 42-струнных и ударных, премьера которой состоялась в 1960 году в самом сердце европейского авангарда, на фестивале в Донауэшингене. Вслед за ней исполнялось «Пробуждение Иакова» (1974). «Благозвучная, написанная в тональности. Поначалу это произвело впечатление: мы все чувствовали, что время авангарда уходит, и вот Пендерецкий провозглашает новый этап!», — вспоминал музыкальный критик Петр Поспелов (Ведомости, 29 марта 2020).
Завершал программу Первый скрипичный концерт, написанный в 1977 году для Исаака Стерна, — в Москве сольную партию исполнил Григорий Жислин. Концерт обозначил поворотный момент в творческой судьбе композитора. В нем явственно слышны отголоски музыки Брукнера, Сибелиуса и Шостаковича, ставшие с этого момента неотъемлемым элементом стиля Пендерецкого.
Каждый приезд Пендерецкого в СССР был большим событием, ведь вместе с ним в страну легально проникала музыка европейского авангарда, ярким представителем которого он был до конца 1970-х. Для музыкантов филармонического оркестра это был серьезный (и во многом непростой) опыт встречи с современными техниками композиции.
Новый приезд польского композитора позволил советским музыкантам (и слушателям) наблюдать процесс коренной смены музыкального языка этого мастера.
Концерт открылся пьесой «Anaklasis» для 42-струнных и ударных, премьера которой состоялась в 1960 году в самом сердце европейского авангарда, на фестивале в Донауэшингене. Вслед за ней исполнялось «Пробуждение Иакова» (1974). «Благозвучная, написанная в тональности. Поначалу это произвело впечатление: мы все чувствовали, что время авангарда уходит, и вот Пендерецкий провозглашает новый этап!», — вспоминал музыкальный критик Петр Поспелов (Ведомости, 29 марта 2020).
Завершал программу Первый скрипичный концерт, написанный в 1977 году для Исаака Стерна, — в Москве сольную партию исполнил Григорий Жислин. Концерт обозначил поворотный момент в творческой судьбе композитора. В нем явственно слышны отголоски музыки Брукнера, Сибелиуса и Шостаковича, ставшие с этого момента неотъемлемым элементом стиля Пендерецкого.
Авторский концерт Кшиштофа Пендерецкого
1980—1981
1982—1983
11-летний Вадим Репин
10 апреля в Большом зале Консерватории дебютировал 11-летний Вадим Репин. Воспитанник профессора Новосибирской консерватории Захара Брона, он только что выиграл Международный конкурс скрипачей имени Венявского в Люблине, где триумфально исполнил Первый скрипичный концерт Тихона Хренникова. Теперь этот в исполнении молодого скрипача прозвучал в Москве с Госоркестром СССР под управлением Евгения Светланова.
«Это сравнительно редкий случай, когда юный виртуоз, впервые представший перед широкой столичной аудиторией, восхитил не только совершенным владением инструментом (хотя и оно — поразительно), но и осмысленностью, эмоциональной наполненностью исполнения, ясным ощущением формы большого симфонического полотна и умением донести ее до слушателя». (Концертное обозрение. «Музыкальная академия», 1983 № 9)
10 апреля в Большом зале Консерватории дебютировал 11-летний Вадим Репин. Воспитанник профессора Новосибирской консерватории Захара Брона, он только что выиграл Международный конкурс скрипачей имени Венявского в Люблине, где триумфально исполнил Первый скрипичный концерт Тихона Хренникова. Теперь этот в исполнении молодого скрипача прозвучал в Москве с Госоркестром СССР под управлением Евгения Светланова.
«Это сравнительно редкий случай, когда юный виртуоз, впервые представший перед широкой столичной аудиторией, восхитил не только совершенным владением инструментом (хотя и оно — поразительно), но и осмысленностью, эмоциональной наполненностью исполнения, ясным ощущением формы большого симфонического полотна и умением донести ее до слушателя». (Концертное обозрение. «Музыкальная академия», 1983 № 9)
Юрий Башмет
28 апреля в Большом зале консерватории выступил Юрий Башмет — он первым среди альтистов получил сольный концерт на большой сцене.
Уникальность события, смелость музыканта и серьезность его творческих амбиций демонстрировала программа, полностью посвященная музыке Брамса. В нее вошли Две сонаты для кларнета и фортепиано в версии для альта и фортепиано, Две песни ор. 91 и Трио для фортепиано, альта и виолончели ор. 114. В ансамбле с Башметом выступили пианист Михаил Мунтян, солистка Государственного камерного хора Наталья Бурнашева и виолончелист Валентин Берлинский. Эта программа звучала годом раньше (4 апреля 1982) в Малом зале консерватории, но ее исполнение в Большом зале стало вехой не только в творческой биографии музыканта, но и в истории отечественного альтового исполнительства.
«Башмет принадлежит к тем избранным артистам, которые сразу же заявляют о себе редким комплексом качеств, равно привлекательных для профессионалов и любителей музыки. Не случайно на концертах Башмета всегда много и тех, и других. Сочетание абсолютной погруженности в играемое сочинение, завораживающей музыкальности, интенсивности эмоционального излучения с точностью общего плана интерпретации, точным расчетом формы, врожденным ощущением самых разных стилей, наконец, с чарующим звучанием инструмента — надо ли говорить, сколь незаменимыми оказались все эти качества для воплощения сочинений Брамса, „монографию“ которого Башмет предложил слушателям?» (Концертное обозрение. «Музыкальная академия», 1983 № 9)
28 апреля в Большом зале консерватории выступил Юрий Башмет — он первым среди альтистов получил сольный концерт на большой сцене.
Уникальность события, смелость музыканта и серьезность его творческих амбиций демонстрировала программа, полностью посвященная музыке Брамса. В нее вошли Две сонаты для кларнета и фортепиано в версии для альта и фортепиано, Две песни ор. 91 и Трио для фортепиано, альта и виолончели ор. 114. В ансамбле с Башметом выступили пианист Михаил Мунтян, солистка Государственного камерного хора Наталья Бурнашева и виолончелист Валентин Берлинский. Эта программа звучала годом раньше (4 апреля 1982) в Малом зале консерватории, но ее исполнение в Большом зале стало вехой не только в творческой биографии музыканта, но и в истории отечественного альтового исполнительства.
«Башмет принадлежит к тем избранным артистам, которые сразу же заявляют о себе редким комплексом качеств, равно привлекательных для профессионалов и любителей музыки. Не случайно на концертах Башмета всегда много и тех, и других. Сочетание абсолютной погруженности в играемое сочинение, завораживающей музыкальности, интенсивности эмоционального излучения с точностью общего плана интерпретации, точным расчетом формы, врожденным ощущением самых разных стилей, наконец, с чарующим звучанием инструмента — надо ли говорить, сколь незаменимыми оказались все эти качества для воплощения сочинений Брамса, „монографию“ которого Башмет предложил слушателям?» (Концертное обозрение. «Музыкальная академия», 1983 № 9)
Титульная страница буклета к концерту Владимира Горовица, 1986
20 апреля в Большом зале Консерватории состоялся единственный концерт великого пианиста Владимира Горовица. О нем сообщала всего одна афиша, повешенная за несколько дней до события непосредственно у кассы концертного зала. По подсчетам прессы в свободную продажу поступило всего 400 билетов и очередь из желающих попасть на концерт окружила консерваторский квартал.
Владимир Горовиц родился и вырос Киеве, а в 1925 году покинул СССР. В Европе он быстро завоевал репутацию одного из величайших виртуозов ХХ столетия. В 1940 году пианист поселился в Нью-Йорке и на протяжении нескольких десятилетий оставался самым знаменитым и популярным пианистом мира, к началу 1980-х став живой легендой.
Возможность приезда Горовица в СССР обсуждалась в разные годы начиная с хрущевской оттепели, но всякий раз гастроли откладывались, причем опасения испытывали обе стороны. И только в 1986 году приезд Горовица все-таки состоялся: 83-летний пианист продемонстрировал прекрасную профессиональную форму, и концерт, обреченный стать сенсацией, стал главным музыкальным событием московского сезона.
20 апреля в Большом зале Консерватории состоялся единственный концерт великого пианиста Владимира Горовица. О нем сообщала всего одна афиша, повешенная за несколько дней до события непосредственно у кассы концертного зала. По подсчетам прессы в свободную продажу поступило всего 400 билетов и очередь из желающих попасть на концерт окружила консерваторский квартал.
Владимир Горовиц родился и вырос Киеве, а в 1925 году покинул СССР. В Европе он быстро завоевал репутацию одного из величайших виртуозов ХХ столетия. В 1940 году пианист поселился в Нью-Йорке и на протяжении нескольких десятилетий оставался самым знаменитым и популярным пианистом мира, к началу 1980-х став живой легендой.
Возможность приезда Горовица в СССР обсуждалась в разные годы начиная с хрущевской оттепели, но всякий раз гастроли откладывались, причем опасения испытывали обе стороны. И только в 1986 году приезд Горовица все-таки состоялся: 83-летний пианист продемонстрировал прекрасную профессиональную форму, и концерт, обреченный стать сенсацией, стал главным музыкальным событием московского сезона.
В 1987 году в состав Московской филармонии вошел ансамбль солистов «Академия старинной музыки». Он был создан в 1982 году скрипачкой Татьяной Гринденко и стал одним из пионеров аутентичного исполнительства старинной музыки в нашей стране. Музыканты ансамбля начали играть на старинных инструментах с использованием барочных смычков, а основу репертуара составила музыка Монтеверди, Перголези, Вивальди, Джеминиани, Корелли, Галуппи, Перселла, Букстехуде, Баха, Генделя, Телемана, отца и сына Моцартов, Буамортье, а также русских композиторов XVIII века Фомина, Бортнянского, Пашкевича.
Художественный руководитель «Академии старинной музыки» Татьяна Гринденко: «…Мой ансамбль — просто собрание уникальных людей. Ну, может быть, не уникальных по своим человеческим достоинствам, но уникальных по тому, что они смогли понять и принять, несмотря на всю сложность, вот эту идею подлинности. <…> раньше композитор и исполнитель были два человека в одном лице. И потому ноты писались так, что предполагали импровизацию. Но уже романтики как бы перестали доверять исполнителям и стали фиксировать точно текст. И вот здесь пришел конец настоящему творческому исполнительству. Исполнитель получил возможность иллюзии, что как бы он сам написал это сочинение и как бы самовыражается. Это то, против чего мне хотелось бы бороться. Потому что исполнитель в этом понимании — это артист, который выдает чужое за свое. А исполнитель в том понимании, в каком он был раньше, и есть творец. Существуют правила чтения нот. В эти правила входит обязательно школа импровизации. То есть исполнитель старого времени был на несколько порядков образованнее и искуснее, чем исполнитель нашего времени». (Известия, 10 марта 1999).
Художественный руководитель «Академии старинной музыки» Татьяна Гринденко: «…Мой ансамбль — просто собрание уникальных людей. Ну, может быть, не уникальных по своим человеческим достоинствам, но уникальных по тому, что они смогли понять и принять, несмотря на всю сложность, вот эту идею подлинности. <…> раньше композитор и исполнитель были два человека в одном лице. И потому ноты писались так, что предполагали импровизацию. Но уже романтики как бы перестали доверять исполнителям и стали фиксировать точно текст. И вот здесь пришел конец настоящему творческому исполнительству. Исполнитель получил возможность иллюзии, что как бы он сам написал это сочинение и как бы самовыражается. Это то, против чего мне хотелось бы бороться. Потому что исполнитель в этом понимании — это артист, который выдает чужое за свое. А исполнитель в том понимании, в каком он был раньше, и есть творец. Существуют правила чтения нот. В эти правила входит обязательно школа импровизации. То есть исполнитель старого времени был на несколько порядков образованнее и искуснее, чем исполнитель нашего времени». (Известия, 10 марта 1999).
«Академия старинной музыки»
1987—1988
Программка концерта Les Arts Florissants в Зале Чайковского, 1987
19 декабря 1987 года в Москве, в Зале Чайковского впервые выступил ансамбль Les Arts Florissants под руководством Уильяма Кристи. Сегодня он прекрасно знаком московской публике, с 2010 года являясь постоянным участником абонементов филармонии, но тогда встреча с французскими музыкантами стала огромным культурным событием.
Именно в 1987 году с постановки оперу Люлли «Атис» на сцене Комической оперы в Париже началась широкая международная известность ансамбля. Короткая аннотация в программке сообщала, что ансамбль специализируется на музыке XVII—XVIII вв. еков и ведет постоянный поиск неизвестных и забытых сочинений. Основанный в 1979 году дирижером и клавесинистом Уильямом Кристи, Les Arts Florissants вернул на сцену многие произведения, рукописи которых хранятся в Национальной библиотеке Франции.
Первое московское выступление коллектив провел скромным составом из восьми человек: шести певцов, Элизабет Матиффа (виола да гамба) и самого Уильяма Кристи, выступивего в качестве клавесиниста и органиста. В концерте прозвучала музыка Бузинака, Мулена, Шарпантье и Ламбера.
19 декабря 1987 года в Москве, в Зале Чайковского впервые выступил ансамбль Les Arts Florissants под руководством Уильяма Кристи. Сегодня он прекрасно знаком московской публике, с 2010 года являясь постоянным участником абонементов филармонии, но тогда встреча с французскими музыкантами стала огромным культурным событием.
Именно в 1987 году с постановки оперу Люлли «Атис» на сцене Комической оперы в Париже началась широкая международная известность ансамбля. Короткая аннотация в программке сообщала, что ансамбль специализируется на музыке XVII—XVIII вв. еков и ведет постоянный поиск неизвестных и забытых сочинений. Основанный в 1979 году дирижером и клавесинистом Уильямом Кристи, Les Arts Florissants вернул на сцену многие произведения, рукописи которых хранятся в Национальной библиотеке Франции.
Первое московское выступление коллектив провел скромным составом из восьми человек: шести певцов, Элизабет Матиффа (виола да гамба) и самого Уильяма Кристи, выступивего в качестве клавесиниста и органиста. В концерте прозвучала музыка Бузинака, Мулена, Шарпантье и Ламбера.
афиши сезона
Перейти к следующей эпохе